作者：游暐之（《歌剧》杂志执行主编、上海歌剧院一级编剧）配资网站排名
从十六世纪诞生于佛罗伦萨，到如今登上世界上几乎每一座剧院的舞台，歌剧，这门融合音乐、戏剧、表演与美术的综合性艺术，早已成为人类共同的文化瑰宝。歌剧虽美，却仍有不少人望而却步。或因文化背景的差异，或因欣赏习惯的不同，或因语言隔阂所阻……歌剧的高度综合性与艺术深度，在成就其独特魅力的同时，也筑起了一道看似难以逾越的欣赏门槛。
该如何冲破欣赏歌剧的重重藩篱？我们可以从歌剧的几个核心元素入手：音乐、戏剧与舞台，它们既独立成章，又彼此赋能，共同建构了歌剧最终的华彩。
上海歌剧院“邮轮版”《茶花女》中《饮酒歌》唱段场景
展开剩余83%《小二黑结婚》中《清粼粼的水来蓝莹莹的天》唱段场景
听懂歌剧从动人心魄的咏叹调开始
音乐是歌剧的灵魂。无论是西方经典还是中国原创，音乐始终是歌剧传递情感、推动叙事的关键。
歌剧有着丰富的音乐表现形式，其中最具感染力的莫过于咏叹调，它是剧中人物内心情感的集中展现。咏叹调通常具有完整的结构和情绪，旋律动听且富有辨识度，一首成功的咏叹调，往往是一部歌剧最佳的代言。《托斯卡》中，当托斯卡面对斯卡皮亚的淫威，想到身陷囹圄的爱人，唱出“为艺术为爱情”，悲伤压抑的情感惹人落泪；《图兰朵》中，卡拉夫遥望着满天繁星，用一曲《今夜无人入睡》，表达着对爱情的渴望和赢得真爱的信心；《白毛女》中，藏匿山洞的喜儿突然见到仇人黄世仁，一曲“恨是高山仇是海”，抒发的是深藏心中的悲愤和觉醒之后的反抗；《小二黑结婚》中，小芹瞒着父母来到小河边等待心上人，地域特征鲜明的音乐，如诗般清新质朴的唱词，将人物所处的环境、内心波澜生动展现。
除咏叹调外，歌剧中常见的音乐形式还有宣叙调、合唱、重唱。歌剧中宣叙调的功能主要是交代剧情、关联叙事，常常以类似“说话”的音乐节奏呈现。比如《费加罗的婚礼》中，费加罗与众人盘算如何安排婚礼时的演唱；《小二黑结婚》中，面对区长的询问，二孔明和三仙姑富有地域语言音韵的诙谐回答等。
重唱包括二重、三重、四重唱甚至多人重唱，通常用于展现在同一戏剧情境中，不同角色相同或不同的复杂情感。比如《唐璜》中，唐璜的轻佻诱惑，采琳娜的天真犹豫，在两人二重唱的叠加对比中，得以充分呈现；《弄臣》中，公爵、马达琳娜、吉尔达、里戈莱托的四重唱，将同一环境下不同处境的人物内心进行关联和对立，暗示了人物命运的迥异走向。
合唱用于营造环境氛围、强化戏剧冲突、推动剧情发展，同时也能让歌剧的音乐结构丰满立体，《纳布科》中的奴隶合唱，深切抒发着被奴役的人们对于故乡的思念和不屈的反抗，强烈的艺术感染力甚至使其超越歌剧作品本身，被誉为“意大利第二国歌”。
歌剧的音乐还包括序曲、间奏曲等器乐段落。序曲作为开篇引导，有着奠定主题基调、预告音乐线索、暗示戏剧冲突等作用；间奏曲一般是在幕间演奏的乐曲，其作用相当于纽带，将前后的戏剧情绪进行过渡、补充、深化；有时比较短小的场间曲也可为舞台换景、演员换装起到填补空白、有机衔接的功能。《威廉·退尔》序曲、《卡门》序曲、《乡村骑士》间奏曲等，不仅是这些歌剧演出当中不可或缺的精彩段落，更因为其出色的音乐表达，成为各大音乐会当中的常选曲目。
在演出中，这些不同的音乐形式各司其职、相互配合，共同支撑起角色的“喜怒哀乐”，也构成了观众欣赏歌剧时的核心内容。
故事性浓缩于强大情感冲突、戏剧张力中
歌剧是歌唱的戏剧，其故事情节、人物情感都是通过歌唱和音乐来表现的。因为要给音乐和歌唱留下充分的时间，所以歌剧的故事通常不复杂，但情感冲突、戏剧张力极为强烈，以便音乐充分释放其感染力。以《托斯卡》为例，短短的一部剧里，爱情、阴谋、背叛与牺牲，在三幕之间激烈碰撞。环环相扣的情节、戏剧张力极强的故事，成就了音乐的精彩表现，咏叹调“星光灿烂”等段落至今传唱不衰，《托斯卡》本身也成为世界歌剧舞台上不朽的经典。
对于歌剧创作本身，其题材虽没有一定之规，但内容上必须是特定情感的聚焦，这样才便于音乐创作的统一。《蝴蝶夫人》中，只讲了巧巧桑等待平克尔顿回归一件事，以漫长的等待刻画痴情与幻灭，情感非常集中；《茶花女》略去了原著的烦琐描写，聚焦于维奥莱塔的悲剧命运，在时间、情节上都进行了歌剧化的重塑；《卡门》的故事情节和人物关系似乎比较复杂，但剧中所有人物都是为了映射卡门的人生观、爱情观而存在。中国经典歌剧大都以线性叙事为主，虽然情节和人物相对丰富，但往往具有突出的主题，比如《白毛女》揭示出“旧社会把人变成鬼，新社会把鬼变成人”，《小二黑结婚》体现“我的婚姻我做主”等。
也因此，若想更好地欣赏一部歌剧，可提前了解其故事大概、时代背景与创作意图，有助于观演时更为沉浸地体验歌剧所传递的极致情感。无论中外，每一部经典歌剧都是特定时代的产物，其主题与风格必然带着时代的印记，但我们依然可以从不同的故事中，品味人性不变的真实。歌剧的魅力，正在于它用音乐将人类共通的情感放大到极致，让简单的故事承载起深沉的情感共鸣。
不仅依靠歌唱家完成，更是综合呈现
以演唱为主要表现形式的歌剧是名副其实的现场艺术，观众只有走进剧场，才能最大程度地感受歌剧的真实魅力。
因而，舞台呈现是歌剧艺术创作的最后一环，也是最重要的一环，是歌剧得以从文本和音符灵动飞跃的翅膀。歌剧表演主要依靠歌唱家完成，包括担任角色的独唱演员和担任合唱的合唱队员。角色的数量根据作品而定，合唱规模可大可小，通常四五十人。一般而言，作为“歌唱的戏剧”，歌剧用声音塑造角色，对声乐的要求高于演员的外在形象。帕瓦罗蒂的声音无与伦比，形象上却不属于传统意义上的英俊，但这并没有影响观众对他所塑造的歌剧人物的认同。不过，今天的观众对于歌剧演员的综合条件要求越来越高，歌剧演员也逐渐“形声兼备”。
歌剧演员的声部划分有着清晰体系，不仅高、中、低音齐备，每个声部还会根据角色需要进行细化，比如女高音可分为抒情、戏剧、花腔，男高音可分为抒情、戏剧、轻型等，这样的分类是为了更好地契合作品对人物身份、性格以及声乐表现的定位。
需要注意的是，在歌剧的舞台上，除了歌唱家，通常还有指挥家和乐队，有些歌剧当中也会融入情境化的舞蹈，丰富舞台表现层次。
一部歌剧，同一个演出团队，在不同的场次中也会有不一样的表现，有时会是某些方面的超常发挥，有时也会有难掩尴尬的小失误。同一部作品，在不同的指挥、歌唱家、乐队手中，也会有不同的诠释，这造成了同一部歌剧，每场演出观众的体验感都不尽相同，乐迷往往愿意把同一个故事看上多次，只为了欣赏每位艺术家每场演出的不同发挥。
进入当代，歌剧的舞美设计也从过去体现生活的写实，到今天蕴含各种隐喻符号的写意。形式上的改变，本质上体现了歌剧从业者们试图突破古老艺术的固有框架，努力求新求变的创作心态。新颖的舞美设计，在展现当代艺术家创造才华的同时，也蕴含着他们对作品全新的解读。比如，创作灵感来自北欧神话的《尼伯龙根的指环》将故事时间设置为二战时期，意在赋予古典神话以现代反思；《茶花女》将发生地设置为一艘邮轮，暗示维奥莱塔注定漂泊无根的一生。这些创新处理体现了当代艺术家个性化的创作意志，也使得当代观众更容易走进剧情。
如何选择欣赏剧目也很重要，刚接触歌剧时建议选择有广泛知名度的经典，如西方歌剧中莫扎特、罗西尼、普契尼、威尔第等的大部分作品，都有很好的可听性，故事也更具有人文关怀；同时，中国歌剧在音乐表现和戏剧叙述上都有着民族化的独特审美配资网站排名，欣赏《白毛女》《小二黑结婚》《洪湖赤卫队》《江姐》《党的女儿》等经典中国民族歌剧，又会带来不一样的艺术体验。
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